PITTURA METACOSMICA DI MATTEO LAMA (Painting Metacosmica by Matteo Lama)

AL CHIAR DI LUNE

2011-12-03T20:39:00.006+01:00

Le due lune in un firmamento azzurro, riflettono la loro luce in un mare che fa sognare tempi mitici, classici e romantici. La visione totale si perde e disperde in un mondo onirico che fa intravvedere immagini e personaggi che non sono configurati, ma che la mente dell’osservatore pone o può porre laddove il chiaroscuro è più marcato. In questo dipinto l’artista trasporta l’attento fruitore in una dimensione metacosmica e trascendente che fa presupporre l’esistenza di un Creatore che ha dotato l’universo di armonia musicale dantesca ed equilibrio astrologico. Indiretto è il riferimento a Paul Debussy che, tramite il suo componimento musicale, sembra ispirare il nostro pittore conducendolo per sentieri immaginifici e metaforici.

I colori azzurri sono piuttosto oscuri, ma sottendono il mistero del cosmo, cioè una realtà ancora da scoprire e ci ricordano alcuni canti leopardiani che decantano appunto la luna, la sorella luna del Poverello d’Assisi. Le due lune sono piuttosto surrealistiche ed attestano l’estetica di Matteo Lama che emerge dal suo recente libro “La pittura metacosmica”, in cui ogni poesia è degnamente illustrata da un dipinto di rara esecuzione.

Anche nel dipinto “Sarcofago: mistero della resurrezione” (cm 70x50, olio su tela, 1997) osserviamo la presenza di due lune, di proporzioni e grandezze differenti. Qui, però, vi mancano le cariatidi e la colonna greca che sono presenti nel quadro “Al chiar di lune” a cui esse impongono un senso di cromatismo classico. Infatti, i colori del dipinto “Sarcofago…” sono più chiari e sfumati. “Due lune possibili all'orizzonte / appaiono appese / al cielo senza tempo…/ In un’aria sospesa / il mistero è già compiuto”.

Prof. Dr Orazio Tanelli

Direttore del Ponte Italo-Americano

Verona, New Jersey, USA.

La Libertà è un bene universale...

2011-10-06T12:07:00.002+02:00

La Libertà è un bene universale...bisogna riflettere..NON diamola mai per scontata.

Vi propongo questo articolo che molti "Potenti", dittatori, arroganti dovrebbero stamparsi nella testa.

Dichiarazione Universale dei Diritti dell'Uomo
Articolo 27

«Ogni individuo ha diritto di prendere parte liberamente alla vita culturale della comunità, di godere delle arti e di partecipare al progresso scientifico e ai suoi benefici.

Ogni individuo ha diritto alla protezione degli interessi morali e materiali derivanti da ogni produzione scientifica, letteraria e artistica di cui egli sia autore.»

È uscito il libro LA PITTURA METACOSMICA

2011-02-28T10:20:00.014+01:00

Cari amici, è appena uscito in questi giorni il mio libro dal titolo "La pittura Metacosmica", nel quale spiego ad analizzo il percorso (a volte difficile), che mi ha portato a dipingere questi quadri.

Se volete acquistare il libro on-line cliccate Questi links sottostanti:

http://www.ibs.it/code/9788890282997/lama-matteo/pittura-metacosmica-concetti.html

http://www.macrolibrarsi.it/libri/__la-pittura-metacosmica.php

Dettagli sul libro:

Questi scritti non sono da considerarsi come un trattato di pittura, non vanno quindi interpretati e letti come una guida tecnica sul come dipingere.

La pittura è anche madre (Dio ad esempio in molte religioni non è solo padre ma anche madre), generatrice, come la madre terra la quale, dopo un periodo di gestazione, "dà alla luce" tutti i suoi frutti; similmente la pittura Metacosmica è madre, che genera dopo una gestazione che può durare anni. Essa non è solo rappresentazione, ma è anche creazione.

Il pittore Metacosmico è un filosofo alla continua ricerca del sapere e della conoscenza intesa come consapevolezza, acquisizione di uno stato di pensiero reso manifesto nei suoi lavori.

Il pittore è anche un moderno alchimista in grado di trasformare la materia-colore arrivando ad essere partecipe della creazione.

Questo tipo di alchimia va intesa come consapevolezza ed evoluzione, come passaggio da uno stato ad un altro: i pigmenti e l'olio passano da uno stato ad un altro.

L'uomo è considerato non solo come il risultato di una creazione dal "fango", ma anche come energia, luce, colori ed iride splendente.

Un quadro eseguito in una certa maniera, attiva non solo dei centri nervosi, psichici, del piacere, ma anche energetici, in sostanza le forme ed i colori hanno una carica energetica.

La pittura diventa mezzo per l'acquisizione di una nuova prospettiva del mondo e del cosmo.

Lo scritto si può suddividere in tre parti essenziali interdipendenti:

1) L'aspetto filosofico-alchemico della pittura Metacosmica: la sua genesi fino al suo compimento sulla tela, analizzando anche il ruolo dell'artista.

2) Viene espressa attraverso delle liriche, l'essenza e l'intima natura della pittura Metacosmica, travalicando ogni elemento della rappresentazione.

3) L'ultima parte è caratterizzata dalle poesie che introducono i quadri metacosmici: ogni poesia è l'evocazione, l'invocazione e il preludio all'opera.

Dove osa la pittura Metacosmica

2010-11-24T23:11:00.006+01:00

"Tramonto: Dove osa l'Uomo Metacosmico", anno 1997, olio su tela.

Ecco un'altra opera alla quale sono molto affezionato, anche perché è stata una della primissime tele metacosmiche che ho dipinto: l'opera è molto scarna: si sviluppa in un paesaggio quasi desertico, in primo piano vi è un rudere-porta con due "cariatidi" (che simboleggiano il femminile ed il maschile), separati da questo arco-luce. Nel cielo si sviluppa un planetario inconsueto. tutto è immerso in una polvere cosmica di luce contrapposta alle ombre dei primi piani. Il viaggio della conoscenza è appena iniziato.

IL PITTORE

2010-11-18T23:14:00.019+01:00

In questa società dove tutto cambia e niente muta davvero, mi rendo conto di come a questo mondo esistano pochi audaci pittori. In primo luogo io mi ritengo un pittore e NON un artista: artista è un termine troppo generico, non vuol dire nulla, infatti un artista non fa nulla. Io dipingo e mi confronto con quelli che usano dei pennelli su dei supporti quali la tela, la tavola, l'intonaco, ecc.

Il grave errore storico è quello di considerare i pittori del passato, solo come dei "fotografi documentaristi" e sostenere che con l'avvento della fotografia il pittore abbia perso il "faro" (l'imitazione della natura) e si è dato ad altro. Questo è un errore da dilettante della storia dell'arte: farò pochi ma esaustivi esempi: il primo fra tutti è il Giudizio universale di Michelangelo: solo col pennello e l'ingegno si poteva fare, il giudizio non è mera imitazione o rappresentazione ma una trasfigurazione dello stesso pittore Michelangelo: il suo gesto ripetitivo del pennello sulla superficie imprime (quasi come una veronica), lo stesso autore trasfigurato nell'intero affresco. Il pittore è tutto questo, l'artista non potrà mai arrivare a tanto solo con il concetto. L'atto stesso di creare o ricreare forme imprimendogli colore è creazione. Il pittore come lo scultore crea, non è un creativo fine a se stesso che si autocelebra, ma crea trasformando la materia-colore in qualcosa concernente al divino. Oggi quelli definiti artisti fanno tutto tranne creare: assemblano oggetti, fanno installazioni con pietre, stracci, mucche, maiali, uomini nudi, impacchettano grattaceli, espongono cadaveri, fantocci impiccati, palle colorate, cessi, ecc., oppure quando cercano di dipingere non hanno neppure lontanamente compreso le mescolanze, i vari gradi di velatura o di materia atti a creare un'opera d'arte. Poi hanno completamente perso il concetto di composizione: il pittore come il musicista compone, crea armonie e disarmonie, mette le pause fra una nota/colore e l'altra. Rispetta dei codici per poter arrivare alla creazione.

Oggi con la scusa della provocazione si fa tutto male e oscenamente brutto, squallido.

Il secondo esempio possono essere senz'altro gli autoritratti di Rembrandt, nei quali la pittura-materia diventa pelle, capelli, velluti, vibrando e comunicando all'osservatore qualcosa che va oltre la rappresentazione: non vi è solo un volto dipinto ma la sua trasfigurazione.

Il terzo esempio, ma non ultimo è dato dalla grande strada percorsa da Giorgio De Chirico il quale attingendo alla pittura del quattrocento e primo cinquecento (Vedi Paolo Uccello, Piero della Francesca, Vittore Carpaccio, ecc.) ha ideato la Pittura Metafisica, influenzando poi tanti altri pittori quali René Magritte, Salvador Dalí, Carlo Carrà, e tanti altri che non menziono.

De Chirico ha saputo reinventare la pittura, riproponendola in una chiave moderna, egli ha sempre usato le tele ed i pennelli ed ha influenzato quasi tutto il novecento, dimostrando che la pittura non è morta con l'avvento della fotografia, anzi ha potuto rendere visibile meglio la sua essenza, svincolandosi dalla mimesi delle cose visibili.

MOSTRA PERSONALE PRESSO CASA MUSEO MONTI

2010-10-13T22:10:00.004+02:00

La Cultura è importante…

2010-10-11T10:43:00.008+02:00

Mi rendo sempre più conto, con il passare degli anni, di quanto sia basilare la Cultura intesa come maturata consapevolezza dell'importanza dell'esercizio manual-intellettuale: il sapere inteso come conoscenza dei meccanismi sottesi alla Natura uniti ad una buona manualità, fanno parte di ciò che io intendo per Cultura. Mi accorgo molto spesso che l'unica abilità "intellettuale" riscontrabile in molti miei simili è solo quella di guadagnare una barca di soldi, accumulare beni, avere successo, fama, potere...dimenticandosi che queste cose hanno un "costo" molto grande in termini di impoverimento della sensibilità o della Cultura. Il potere coincide raramente con la Cultura e quando, in apparenza, sembra farle la corte è solo per sottometterla al suo volere. Se paradossalmente potessimo eliminare come elemento fondante della nostra società il denaro, ci accorgeremo di quanto sia povera la nostra umanità. La povertà non è da intendersi come mancanza esclusiva di beni, ma mancanza di elementi essenziali che facciano evolvere l'individuo in tutte le sue espressioni. Analizzando la situazione con questa lente d'ingrandimento mi accorgo di quanto poveri e miseri siamo.

Massima sull'amore di Osho

2010-10-02T08:36:00.003+02:00

" L'amore è fuoco.
A causa delle sofferenze d'amore milioni di persone
vivono una vita che ne è priva.
Soffrire per amore non è soffrire invano.
Soffrire per amore è creativo.
Porta a livelli di coscienza più alti.
Colui che non ha conosciuto l'altro in un amore profondo, non sarà in grado di sapere chi è, perché non avrà uno specchio nel quale osservare la propria immagine riflessa. "
Osho

Mostra (mini personale) 2 Giugno 2010

2010-06-27T11:38:00.027+02:00

Solo nella data del 2 giugno ore 21.00 presso la LOGGETTA DEL TRENTANOVE a FAENZA, saranno esposte alcune mie opere: esporrò dei paesaggi che sono anche pubblicati sul mio sito (vedi)

Dalla perfezione all'armonia

2010-06-07T19:35:00.005+02:00

L'artista prima o poi deve fare i conti con la ricerca della "perfezione". La ricerca ossessiva della perfezione ci spinge verso qualcosa che nel mondo delle esperienze non potrà mai esistere, in quanto, il concetto di perfezione stessa è dis-umano, cioè al disopra delle nostre possibilità ed ascrivibile ad entità altre da noi. Perfetto è un concetto di non esistenza e quindi morte. L'artista può ricercare l'armonico e il dis-armonico. L'armonia può esistere, è propria della Natura. Ogni cosa può risuonare d'armonia con il tutto e il tutto con le parti. La Natura contempla anche la dis-armonia, spesso vista come l'esaltazione dei contrasti, in opposizione all'armonia. Anche la musica risente di queste dinamiche. Io spesso vedo un dipinto come una sinfonia di forme e colori, di luci ed ombre, a volte i colori "cantano", a volte "stonano", così come quando sento una sinfonia, o un brano musicale, vedo i colori della musica: tutto è collegato è come un flusso di continuità. Musica, colori, energie, si fondono in un tutto che è arte.

Artisti di provincia, Critica, ARTISTA CONSUMATO

2010-06-05T22:06:00.007+02:00

Sono convinto che l'arte vera oggi, sia presente più nella provincia che nelle grandi metropoli. In particolar modo mi riferisco a quegli artisti (il più delle volte sconosciuti e fuori dai grandi circuiti), che dipingono per amore (e solo per quello) della pittura stessa. Nella provincia di solito gli artisti conservano quella ingenua voglia di creare un'opera senza i pesanti ed ingombranti vincoli del Mercato, dei critici, dei collezionisti: in poche parole gli artisti sono più liberi e creativi. Mi è capitato spesso di vedere artisti provenienti da grandi città e spesso noto una scarsa creatività, anzi le opere di questi artisti si assomigliano in modo sconcertante: sono tutte con un denominatore comune: la ricerca di un consenso nel mercato, nella critica, nelle gallerie e nei collezionisti...molti artisti di una provincia come la mia, sono un po' più distanti da queste logiche (anche se non sono del tutto scevri) del profitto: dipingono un quadro perché gli va e basta, senza curarsi di avere uno stile personale che possa interessare la critica o il mercato. Anche nelle metropoli si possono incontrare queste tipologie di artisti, ma a mio avviso è più probabile trovare l'artista militante alla ricerca di un consenso.
Un discorso andrebbe fatto anche sulle gallerie e sui critici: nella maggioranza dei casi per accedere ad una galleria bisogna pagare (e le cifre sono alte), poi per avere una critica dal critico di turno bisogna ancora pagare, quindi in sostanza o l'artista è un miliardario o è uno squattrinato. L'artista è diventato paradossalmente il MECENATE DELL'ARTE, è colui che fa vivere il sistema, cioè finanzia il mercato, la critica (che altrimenti non esisterebbe) e i collezionisti.
Andy Warhol aveva capito che l'oggetto arte era un prodotto inserito nella macchina infernale della produzione di massa e che aveva perso l'Aura della sua unicità. Oggi è l'artista ad essere un PRODOTTO DI CONSUMO, il quale consuma arte e viene consumato dal sistema che lo spreme come un limone. La critica è ben lieta di accoglierlo a patto che paghi il prezzo della sua vocazione all'INDUSTRIA ARTE: pagato quaesto prezzo, si accede alle gallerie che hanno un altro costo, poi alle pubblicazioni, poi alle apparizioni mass-mediatiche (e qui le cifre sono da paura), poi arrivano le recensioni...Insomma l'artista-PRODOTTO di CONSUMO, che ha perso la sua AUREA viene a poco a poco DIVORATO, INGURGITATO e POI defecato.

Armonico

2010-05-31T09:51:00.009+02:00

L'artista spesso cerca una perfezione identificabile il più delle volte nel rigore geometrico-matematico. Io credo in sostanza che vada trovata più l'armonia delle cose e dei colori: il mondo delle cose visibili non potrà mai avere la perfezione assoluta anche perché, a pensarci bene, corrisponderebbe con la morte del medesimo. L'artista deve ricercare il più possibile l'armonia delle cose e questa è riscontrabile soprattutto nella Natura. Ecco perché tutti i più grandi artisti prima o poi vengono ad indagare il mistero della Natura. Oggi gli artisti cercano soprattutto la Dis-Armonia, la Non-Natura, l'artificiale, il caotico, l'ansiogeno, ecc, tutto atto a provocare reazioni (belle o brutte), in chi le osserva. Si vede poca armonia nelle cose create dagli artisti contemporanei: questo è dovuto spesso all'allontanamento (da parte dell'artista), progressivo dal contatto diretto con la Natura. Ad esempio molti writers (così tanto acclamati), sono un sottoprodotto industriale post-moderno, identificabili con quel caotico ansiogeno Dis-armonico: a volte coincidono proprio con il disagio e il degrado metropolitano. La critica mondiale sta esaltando molto il concetto Dis-armonico ogni opera d'arte che si rispetti deve contenere in se PER FORZA un elemento dissacratorio, provocatorio e disarmonico. Gran parte della critica intende e confonde l'arte con il PROGRESSO, quindi chi "innova" e fa qualcosa di "diverso" viene acclamato. Ritengo che l'arte non coincida con alcun progresso e neanche con il regresso, essa giace in noi da sempre.

FORLÌFIERA, fiera d'arte contemporanea "Vernice art fair", 26-27-28 marzo 2010.

2010-03-26T16:17:00.005+01:00

Ciao a tutti dal 26 al 28 marzo sono presente allo STAND 113 (galleria "Artantis") di "Vernice art fair" alla fiera di Forlì. Se siete nei paraggi venite a fare un giro. Bye.

Per maggiori dettagli vai al sito: www.verniceartfair.it

La nuova società tecnocratica - IperMercato dell'arte

2009-11-01T16:07:00.013+01:00

La nostra società tecnocratica dell'iper-consumo spinge l'iper-consumatore a consumare anche l'arte. l'arte-mercificata non basta più..l'arte deve essere consumata. L'ipermercato contemporaneo è definito come "cattedrale" post-moderna nella quale il demiurgo consumo, legittima i fedeli consumatori al rito iniziatico della bulimica corsa al divorare tutto. Io immagino i consuma(t)tori come una sorta di grande bocca che voracemente, divora tutto, anche l'arte.

L'arte è divorata (a volte vomitata), non c'è tempo per soffermarsi a contemplare o a significare, l'importante è sapere se l'oggetto-prodotto può essere divorato e inserito nell'ingranaggio perverso del consumo. Se il prodotto non può essere consumato, viene espulso dal sistema, rigettato come materiale nocivo, inquinante e deleterio. Anche gli "antichi" Musei assumono sempre più i connotati di grandi

Ipermercati del consumo: i gadgets sono più importanti delle opere, le attrazioni quali ristoranti, punti shop, ecc., sono le cose trainanti dei moderni Ipermercati-Musei.

L'artista contemporaneo.

2009-10-09T23:06:00.008+02:00

La domanda nasce per caso: chi è e che ruolo ha (ammesso che ne debba avere uno), l'artista contemporaneo? È forse uno spregiudicato provocatore? un ostinato incantatore? un arguto commerciante?...In molti casi è tutte queste cose. Nella ricerca ossessiva del consenso si arriva al paradosso del dissenso. Ogni artista che si "rispetti" trova un suo stile, una sua definizione, un'algebra di stilemi propri per sentirsi unico ed inimitabile...anche se qualcuno ha enunciato che tutto è già stato detto e fatto, l'artista continua nella ricerca di qualcosa che non troverà, come l'alchimista alla ricerca della pietra filosofale. La fame di fama e l'ansia di successo e denaro, in molti casi, spinge l'artista contemporaneo a seguire le orme di calciatori, veline e di un mondo alieno ed alienante in cui le cose si fanno per denaro e non per vocazione. Quanti calciatori smetterebbero subito l'arte del pallone se guadagnassero come un insegnate della scuola pubblica o un infermiere Senza nulla togliere a queste ultime due nobilissime professioni. Anche molti artisti noti seguono questo tipo di inclinazione e l'arte è lo specchio di questo costume. La mia domanda è questa: si diventa artisti per fare soldi oppure si fanno i soldi perché si è artisti?

IL POTERE EVOCAT(T)IVO DELLE IMMAGINI

2009-09-11T11:08:00.010+02:00

In questa epoca in cui l'immagine è "tutto", sembra quasi impossibile considerare il fatto che nessuno di noi riesca veramente a "vedere".

Tutti dicono che siamo bombardati ogni giorno da una miriade di stimoli e questo è vero a tal punto che non vediamo più. Soprattutto la bellezza è divenuta estranea al nostro canone: abituati come siamo al brutto, al grottesco, al paradossale, al violento, al trash...La cosa grave e poco considerata, è che ogni immagine ha un potere evocativo: spesso guardiamo distrattamente un quadro senza cogliere ciò che evoca l'immagine: ad esempio un paesaggio marino può rimandare la nostra memoria visiva (e non solo), ad un episodio piacevole o spiacevole dell'infanzia. Si può dire che "tutte" le immagini in noi impresse, anche quelle che apparentemente non consideriamo, giacciono nel grande mare della latenza, sono l'archivio generale dei nostri ricordi.

Personale presso Villa Pina di Milano Marittima dal 2 al 8 agosto 2009

2009-08-08T11:53:00.000+02:00

Ecco alcune immagini della mia personale presso "Villa Pina" di Milano Marittima .

Mostra personale di Matteo Lama

2009-07-05T18:38:00.001+02:00

Ciao a tutti, dal 2 al 8 agosto, sono a Milano Marittima per una MOSTRA PERSONALE presso l'hotel Villa Pina..clicca qui per vedere il sito e avere indicazioni. L'entrata all'hotel è libera.
Come si sul dire accorrete numerosi. :-)

visita anche www.matteolama.it

La Pittura Metacosmica

2009-07-04T13:46:00.001+02:00

Il quadro Manifesto della Metacosmica (da me ideata) è decisamente il primo che ho fatto nel "lontano" 1997 dal titolo un po' enigmatico e provocatorio: "Sarcofago: mistero della resurrezione".

Questo quadro racchiude in se molte cose che ancora oggi non riesco a spiegare completamente. Gli elementi del quadro sono pochi: un sarcofago aperto in primo piano, a destra una specie di montagna a calanchi, sullo sfondo, separate dall'orizzonte, due lune. E' proprio da queste due lune che nasce tutto, in poche parole la mia visione Meta-cosmica delle cose.